La música está llena de experimentos, más de alguno brillante, aunque también muchos caen en exageraciones o simplemente no tienen la "química" que finalmente hace que esa mezcla cuaje y de resultado.
Este caso particular junta a un guitarrista de perfil netamente Jazzistico quien en su carrera a acompañando a músicos como Chet Baker, Charles Mingus y al mismísimo Miles Davies con un baterista que viene de bandas como Santana o Parliament/Funkadelic y quienes a pesar de aparentemente no tener nada en común, dentro de sus particulares estilos tienen la notable capacidad de moverse cruzando los tiempos, peligroso juego que mal hecho puede descompaginar hasta la mejor composición.
Afortunadamente para nosotros la unión se da casi mágicamente, los ingredientes se fusionan a la perfección. La capacidad de improvisación, el conocimiento y el respeto mutuo permiten que los músicos, a pesar de estar tocando temas complicados den la sensación no solo de estar sueltos y relajados si no que además lo disfrutan profundamente. Son capaces de llevar el Jazz a su expresión mas alegre y Funk.
Alguna ves comenté que Dennis Chambers es uno de mis bateristas favoritos? A pesar de tener una educación informal, tiene un estilo muy característico que donde lo pongas siempre se destaca, un monstruo de los tambores.
Este disco reúne algunos temas de los dos anteriores grabados en estudio por la dupla Scofield/Chambers (Loud Jazzy Blue Matter) más algunos temas nuevos y un conocido cover. Al escuchar el disco es fácil olvidar que están tocando en vivo frente a un pasmado y boquiabierto (y por supuesto "suertudo") público japones que parece despertar después que los temas terminan, acompañando casi todos los temas con un silencio sepulcral, cercano a como si fuera un concierto de música clásica (ya sabes, donde si llegas a toser, la mitad de la fila te queda mirando con cara de enojo).
El resto de la banda no es menos importante y tienen curriculum suficiente para acompañarlos a la altura que es necesaria para cerrar el circulo, al bajo Gary Grainger, conocido por acompañar a Rod Stewart entre muchos otros conocidos músicos y Robert Aries en el teclado también conocido por acompañar músicos como Bill Evans y Freddie Jackson.
Grabado en Tokio en una noche en la que todos estaban especialmente
conectados, nos dejan este notable documento, probablemente irrepetible.
John Scofield (1987) Pick Hits
01. Pick and Pans
02. Pick Hits
03. Heaven Hill
04. Protocol
05. Blue Matter
06. Thanks Again
07. Trim
08. Georgia On My Mind
09. Make Me
Músicos
John Scofield: Guitarra
Robert Aries: Teclados
Gary Grainger: Bajo
Dennis Chambers: Batería
Según All music, One of guitarist John Scofield's best sessions for
Gramavision, this live date features his regular band of the period, a
quartet with keyboardist Robert Aries, electric bassist Gary Grainger
and drummer Dennis Chambers, who had been playing together regularly for
a year at that point. The close communication between the musicians on
such numbers as "Pick Hits," "Protocol" and "Blue Matter" could only
come from the players fully understanding each other's musical
personalities. The music, electric but adventurous, funky but definitely
exploratory jazz, is difficult to describe, but easier for Scofield's
fans to enjoy.
Nada más difícil que escribir sobre que esta pasando hoy ya que para saber realmente que pasa, hay que estar "por dentro" y saber mucho.
Ademas, cuando se trata de música, hablamos de gustos y convengamos que es imposible darle el gusto a todos, es tan subjetivo y así como que a mi no me gusta algo a mi vecino ese mismo algo lo pone a bailar toda la noche.
Como para hacer un medianamente buen trabajo es necesario consultar, preguntar, averiguar y escuchar. Me acerqué a los, probablemente, mejores asesores que hoy por hoy se puede encontrar en esto de la música y son ellos, los que me van a dar una mano en este difícil post donde vamos a buscar lo que esta pasando hoy en términos de artistas y discos contemporáneos.
Para nosotros en general es bastante fácil entregar material antiguo, aunque es difícil subir algunas cosas extremadamente complicadas de encontrar o el tratar de mantener algunos links arriba, normalmente estamos hablando y publicando artistas que conocemos hace años, que hemos escuchado docenas si no hasta cientos de veces, nos conocemos cada nota de memoria y cada anécdota o cambio en las formaciones.
Hemos tenido oportunidad de compararlos con otras bandas del mismo periodo, del mismo estilo, y probablemente ya tenemos una idea de donde se encuentran con respecto a otros estilos, épocas y bandas.
Hoy tenemos viejas bandas haciendo nuevos discos, el caso de Deep Purple, que ya voy a publicar aquí en Aponcho Rock que por fin y después de varios discos lanza uno que realmente vale la pena escuchar, Led Zepellin con una presentación en décadas o Black Sabbath que por lo que a mostrado hasta ahora viene increíble.
Pero lo que realmente estamos buscando son a los nuevos artistas, los creativos que buscan la excelencia, aquellos que proponen caminos y sonidos nuevos. También a aquellos que han recogido lo mejor de la música y hoy son capaces de devolver algo de lo que han aprendido de los grandes.
Proponer una banda o artista moderno que de alguna manera recoja la antorcha de los grandes que se están yendo, sin limites de genero o estilo, proponer algo grande, a la altura. Por ejemplo, tecladistas que han ido últimamente como Rick Wright, Jon Lord y ahora Ray Manzarek no van quedando muchos, pero lo mas triste es, quien toma la antorcha? Los grandes artistas de los 60', 70' incluso de los 80's se están yendo y quien o quienes están recogiendo ese legado?
Hace solo unas semanas conversábamos este tema con Dr. Rock (Tomas Sexto) y su visión era mas bien pesimista, algo muy similar pasaba con un comentario de Hernan Rojas, el famoso ingeniero de sonido que en un post en Facebook se quejaba precisamente de lo mismo y se declaraba huérfano de tecladistas.
Esas son algunas de las preguntas que con una pequeña ayuda de mis amigos voy a tratar de responder en este post.
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Voy a comenzar esta tocata a varias manos con el aporte de Breu del blog Valvulado, el artista que propone es un viejo conocido y tiene la gracia de ser un TREMENDO disco, un poco fuera de lo que Bonamassa nos tiene acostumbrado, muestra una nueva faceta de este prolífico monstruo de la guitarra y cumple con todos los requisitos para ser parte de este post. Aquí no hay nada de blues, ni de rock and roll. We want groove es un álbum de funk y jazz fusión que seguramente le abrirá las puertas a nuevos oyentes. Si, por si te lo preguntabas, el tecladista Renato Neto es Brasilero
Un disco siempre arriba, como debe ser en estricto rigor un disco de Funk, entero bueno.
Rock Candy Funk Party (2013) We Want Groove
01. Octopus-e
02. Spaztastic
03. Ode To Gee
04. We Want Groove
05. The Best Ten Minutes of Your Life
06. Animal/Work
07. Dope On A Rope
08. Root Down (and Get It)
09. New York Song
Músicos
Joe Bonamassa: Guitarrra
Tal Bergman: Batería
Ron De Jesus: Guitarra
Mike Merrit: Bajo
Renato Neto: Teclados
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Gustavo, de Nas Ondas da Net propone este maravilloso álbum de Erik Norlander, digno representante de Rick Wakeman y Keith Emerson y como escribe Leonardo Alvarez de Leonardinsky (otro excelente blog de música);
"Un disco lleno de evocación a las leyendas clásicas del progresivo. Vemos como Neurosaur y Fanfare For Absent Friends son temas al mas puro estilo metálico y electrónico de Wakeman de algunos de sus álbumes más pesados de mediados de los noventa y comienzos del dos mil. O Sky Full of Stars, con una fuerte reminiscencia a los momentos más sublimes de Blade Runner de Vangelis. After revolotution nos evoca muchos pasajes el acento musical de el fallecido Richard Wright en Dark Side of the Moon de Pink Floyd, con énfasis más pesado orientado más hacia el metal progresivo. Así como Astrology Prelude y Garden of the Moon pareciera ser un tributo muy personal a Keith Emerson.
Un trabajo fuertemente progresivo en el estricto sentido del término, que perfectamente podría haber venido de algún álbum de finales de los setenta, claro que con los inevitables arreglos y efectos digitales propio de nuestros días, un excelente trabajo que hacen de este álbum un deleite tanto para fans del lado más clásico de Yes y ELP así como el sonido más espacial y electrónico propio de películas de ciencia ficción."
Erik Norlander (2010) The Galactic Collective
01. Arrival
02. Neurosaur
03. Fanfare For Absent Friends
04. Sky Full of Stars
05. Astrology Prelude
06. Trantor Station
07. After the Revolution
08. Garden of the Moon
09. Dreamcurrents
10. The Dark Water
11. Garden of the Moon [Versión larga]
Músicos
Erik Norlander: Teclados, sintetizadores Moog's, Órgano Hammond, Steinway B Grand Piano
Mark Matthews: Bajo
Nick LePar: Batería
John Payne: Guitarra, Bajo, Coros
Lana Lane: Coros
Perry Mitch: Guitarra
McCrite Mark: Guitarra
Redfield Ron: Guitarra
Freddy DeMarco: Guitarra
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Que pueden hacer un buen par de piernas? Te aseguro que en música, aparte de bailar, no mucho.
Ana Popovic tiene un buen par de piernas, pero lo que mejor hace es cantar, más bien componer, cantar y tocar, porque ella toca guitarra, y muy bien por lo demás.
Este aporte lo hizo "Anónimo" pero creo que sé quien está detras y respeto el que mantenga su anonimato, puede aparecer por aquí cuando quiera.
Originaria de Belgrado, lanza su carrera como solista en 1999 y este disco está todavía caliente, recién sacado del horno. No te dejes engañar por el hecho de que sea mujer, o el divertido nombre, escúchala.
Ana Popovic (2013) Can You Stand The Heat
01. Can You Stand The Heat
02. Can't You See What You're Doing To Me
03. Mo' Better Love
04. Object Of Obsession
05. Boys' Night Out
06. Hot Southern Night feat.Lucky Peterson
07. Every Kind Of People
08. Ana's Shuffle
09. Blues For Mrs. PaulineLeave My Boy Alone
10. Leave Well Enough Alone AKA High Maintenance You
11. Tribe
12. Rain Fall Down
13. Growing Up Too Soon (Bonus Track)
14. Mo' Better Love feat. Tommy Sims (Bonus Track)
Músicos
Ana Popovic: Vocales, guitarra
John Williams: Bajo
Harold Smith: Guitarra
The Bo-Keys: Trompetas
Tony Coleman: Batería
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Ricardo, asiduo de NOdN y Som Mutante dejó una larga lista de la cual rescato este álbum.
The Rime of The Ancient Mariner I viene de un largo amor que Fabio Zuffanti tienen por el escritor Ingles Samuel Taylor Coleridge y su poema "La balada del viejo marinero" (The Rime of The Ancient Mariner), publicado en 1798.
Fabio Zuffanti ya trabajó en el poema en otros álbumes, Höstsonaten (1996) y Mirrorgames (1998). Pero esta vez se decidió a dar un tratamiento completo para el poema en dos discos, la parte 2 se dará a conocer a principios de 2013. Disco más que recomendado para las tardes de días de invierno con bellos temas con intrincadas melodías. Voces tanto femeninas como masculinas muy bien afinadas con la música, que invitan al relajo y la introspección. Un poco de prog mezclado con música celta.
Höstsonaten (2012) The Rime Of The Ancient Mariner: Chapter One 01. Prologue 02. Part One 03. Part Two 04. Part Three 05. Part Four Músicos
Fabio Zuffanti: Bajo, Moog, Taurus Bass Pedals
Luca Scherani: Mellotron, Sintetizadores Mini-Moog & Korg Sigma,
Organo Hammond, Grand Piano, Pianos electricos Fender Rhodes & Wurlitzer, Acordeón, Mandolina
Maurizio Di Tollo: Batería
Matteo Nahum: Guitarras
Silvia Trabucco: Violin
Joanne Roan: Flauta
Edmondo Romano: Gaita, Saxo Soprano, Percusión, Tambor Irlandes Músicos invitados
Alessandro Corvaglia; Vocalista en Parts I & IV
Carlo Carnevali: Recitaciones y vocales en Part I
Davide Merletto; Vocalista en Part II
Marco Dogliotti: Vocalista en Part III
Simona Angilioni: Vocalista en Part IV
Luca Scherani: Teclados
Matteo Nahum: Guitarra
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Este es mi aporte a los nuevos buenos, un disco que cuando lo comencé a escuchar, no pude dejarlo de repetir una y otra ves.
Existen músicos que hacen grandes trabajos en sus inicios
y con el tiempo van decayendo y mostrando falta de creatividad o se
repiten a si mismos hasta el aburrimiento. Hay otros (los menos) que a medida que
pasan los años van alcanzando una madurez musical y de ideas que
les permite ir creciéndo y mejorando en cada nueva obra que facturan.
Es el caso de Steven Wilson, más conocido por ser el líder de Porcupine Tree, productor y también parte principal de proyectos como Storm Corrosion, No-Man y Blackfield.
Esta vez les traigo su tercer álbum en solitario 'The Raven That Refuses to Sing (and other stories)'. Tremendo disco, con grandes temas en lo que se pueden reconocer el respeto y cariño que Wilson tiene de los grandes del Prog de los 70's. Es solo escucharlo para ir reconociendo a cada una de las influencias que va recogiendo. Un recomendadísimo disco que no te puedes perder.
Steven Wilson (2013) The Raven That Refused To Sing (And Other Stories)
01. Luminol
02. Drive Home
03. The Holy Drinker
04. The Pin Drop
05. The Watchmaker
06. The Raven That Refused To Sing
CD 2 Demos
01. Luminol (demo)
02. Drive Home (demo)
03. The Holy Drinker (demo)
04. Clock Song (unused idea)
05. The Pin Drop (demo)
06. The Watchmaker (demo)
07. The Raven That Refused to Sing (demo)
Músicos
Steven Wilson: Voz, mellotron, teclados, guitarras, bajo en tema #3
Guthrie Govan: Guitarras
Nick Beggs: Bajo, Chapman Stick en tema #3, coros
Adam Holzman: Teclados, órgano Hammond, piano, sintetizador
Marco Minnemann: Batería y percusión
Theo Travis: Flauta, saxo, clarinete Músicos invitados
Jakko Jakszyk: Voz adicional en tema #1 y #5
Alan Parsons: Solo de guitarra en tema #3
Dave Stewart: Arreglos de cuerda, interpretados por la London Session Orchestra
Faltaron algunos discos pero los que están son merito de las personas que se tomaron un minuto para dejar su aporte, para ellos mis agradecimientos, esto no sería así sin ustedes.
Muchas gracias,
Saludos!
Hace apenas un par de semanas comentábamos este disco con Mortis, asombrosamente hablamos más de Dan Gottlieb y Lyle Mays que del mismísimo Metheny aunque eso tenga mas que ver con nuestros propios gustos y tendencias, el como baterista y yo como fan de Mays.
American Garage es el segundo disco de esta banda de fusión originaria de Estados Unidos y liderada por el guitarrista Pat Metheny y el tecladista Lyle Mays, a pesar de llevar solo el nombre de Metheny, todas las composiciones son de ambos.
Fue precisamente este disco que llevó a Pat Metheny Group a ser mundialmente conocido, esta difusión les permitió tocar en todos los continentes y a Lyle Mays ir aportando cada ves más dentro del grupo llenando la música de colores.
Un disco mas bien complejo, con sonidos de muy buen gusto y una gran base.
Es de esos discos que te dan la sensación de que los músicos están tocando en vivo y que en el proceso están disfrutando de la música tanto como el que escucha... o más.
En general Mays mantiene un ambiente rico en matices apoyado por una guitarra notable.
Disco más que recomendado para todos, no solo a los fanáticos del Jazz, es un fantástico approach a una extraordinaria banda que no hay que dejar de escuchar
Pat Metheny Group [1980] American Garage
01. (Cross The) Heartland – 6:55
02. Airstream – 6:20
03. The Search – 4:54
04. American Garage – 4:13
05. The Epic – 12:59
Músicos
Pat Metheny: Guitarra electrica, Guitarra de 12 cuerdas, Bajo
Lyle Mays: Piano, Teclados, Organo, Oberheim, Autoharp
Mark Egan: Bajo
Dan Gottlieb: Batería
La Wiki nos cuenta brevemente que Pat Metheny Group es un grupo de jazz y jazz fusión fundado en 1977. Los principales miembros del grupo son el guitarrista y líder de la banda Pat Metheny, el compositor, teclista y pianista Lyle Mays y el bajista y productor Steve Rodby. Entre otros miembros está Paul Wertico, que fue el baterísta del grupo por 18 años.
Si iba a postear a Miles Davis, no parecía mas lógico comenzar con "Kind of Blue", mi disco, durante mucho tiempo, favorito del Jazz? Con un artista como Miles es difícil elegir cual es el favorito, a veces estas comparando peras con manzanas, a pesar de ser el mismo artista, es tal la inquietud que entre un álbum y otro suele suceder que estamos hablando de músicos y estilos distintos, aunque a el no le gustaba definir su música, es el responsable de algunas nuevas definiciones.
"¿Jazz, rock, underground, clásico? Me niego a compartimentar los géneros. No es así como contemplo la música. Parto de una base completamente diferente. Cuando alguien que se considera aficionado al jazz me dice que ya no toco jazz, me quedo perplejo. Nunca decido qué tipo de música voy a tocar, sencillamente porque nunca he pensado que la música se divide en diferentes categorías. Además, ¿cómo es un aficionado al jazz? Por lo general, es alguien que siempre quiere oír los mismos viejos tópicos. ¿Por qué? ¿Acaso siempre lleva la misma ropa? ¿Sale siempre con la misma mujer? ¿Va siempre con la misma gente?"
Esto decía Miles Davis en 1971. Un año antes, había revolucionado el jazz con Bitches Brew, un álbum que proponía una verdadera ruptura con los cánones del jazz, a la vez que marcaba una apertura que enriquecería de allí en más un nuevo subgénero: el jazz-rock. Si bien Davis ya trabajaba su música a partir de instrumentos eléctricos y con una importante posproducción en sus dos álbumes anteriores, los exquisitos Filles de Kilimanjaro e In A silent Way, es con Bitches Brew con lo que la aventura se convierte en extensas improvisaciones sin destino definido. Pura ruptura. Un cambio radical con el cual el trompetista se ponía nuevamente un paso delante de sus contemporáneos. Mucho público del jazz lo abandonó por "venderse" al pop, y ganó un público mucho mayor: el del rock de esos años. Bitches Brew es el álbum más vendido en la historia del jazz. Los años 1969 y 70 son un hito en la búsqueda de nuevas formas expresivas. De hecho, el tema "Bitches Brew", de 26 minutos de duración, es lo más logrado en ese aspecto: no hay arreglo ni melodías ni ritmos bailables ni letras fáciles de retener. Todo es una confluencia de sensibilidades que a cada escucha obtiene reacciones distintas. Es solo ver el line up para saber el "Who is Who" del jazz fusión de los años que vinieron. No puedes dejar de escucharlo, por cultura general y por placer.
Miles Davis (1969) Bitches Brew
01. Pharaoh's Dance 02. Bitches Brew 03. Spanish Key 04. John McLaughlin 05. Miles Runs the Voodoo Down 06. Sanctuary 07. Feio (Reissue bonus track)
Músicos Miles Davis - trumpet Wayne Shorter - soprano saxophone Bennie Maupin - bass clarinet Chick Corea - electric piano (solo on "Miles Runs The Voodoo Down" ) Larry Young - electric piano Joe Zawinul - electric piano John McLaughlin - guitar Dave Holland - bass Harvey Brooks - electric bass Lenny White - drum set Billy Cobham - drum set Jack DeJohnette - drum set Don Alias - congas, drum set only on "Miles Runs The Voodoo Down" Juma Santos - shaker, congas Airto Moreira - percussion
Según la Wikipedia, Miles Dewey Davis III era hijo de un dentista, Dr. Miles Dewey Davis, Jr., y de una profesora de música, Cleota Mae (Henry) Davis; crece, por tanto, en una familia negra de clase media en East St. Louis en Illinois, tras haberse trasladado allí la familia tras su nacimiento. Empezó a interesarse por la música durante su infancia y hacia los doce años empezó a recibir clases de trompeta. Mientras cursaba el instituto, empezó a conseguir trabajos tocando en bares locales y a los 16 ya tocaba fuera de la ciudad durante los fines de semana. A los 17, se unió a los Eddie Randle's Blue Devils, una banda regional de San Luis. Su primer éxito musical se produjo en 1944 cuando, tras graduarse, pudo tocar con la banda de Billy Eckstine que estaba de gira por la ciudad y que contaba entre sus músicos con Charlie Parker y Dizzy Gillespie, artífices del emergente estilo bebop, caracterizado por su rapidez en la interpretación, solos inventivos y variaciones rítmicas muy dinámicas. El joven Davis, que venía de un estilo completamente diferente, hubo de amoldarse a la novedad. Lo hizo abandonando el medio oeste para asistir a las clases del Institute of Musical Art en Nueva York en septiembre de 1944.
Thought by many to be the most revolutionary album in jazz history, having virtually created the genre known as jazz-rock fusion (for better or worse) and being the jazz album to most influence rock and funk musicians, Bitches Brew is, by its very nature, mercurial. (allmusic.com)
Este álbum junto con otros de Ponty y Cobham fueron mis primeros acercamientos a la música que se conocía en esa época como Jazz Fusión o Jazz Rock. Precisamente en estos tres artistas hay ademas un cambio drástico en quienes son los "frontman" de la banda, acostumbrados a que fuera el guitarrista o en jazz el saxofonista, pianista o incluso el Trompetista, en el caso de Jean Luc Ponty es un violinista, Billy Cobham un baterista y Stanley Clarke bajista, todos ellos en sus lanzamientos de álbumes solistas cambiaron la cara a la escena de la música. Colaborador de la famosa banda de Jazz Fusión Return to Forever dirigida por el tecladista Chick Corea desde 1970, colaboración que se mantiene hasta el día de hoy. En 1973 decidió lanzar su carrera como solista con su álbum Children of Forever, en 1974 Stanley Clarke y al año siguiente Journey to Love. School Days de 1976 es el disco que les sigue y marca la madures definitiva como solista del bajista. Clarke llegó a presentarse con dos bajistas simultáneamente en escena, mostrando una extraña y atractiva puesta en escena.
Stanley Clarke (1976) School Days
1. School Days (7:52) 2. Quiet Afternoon (5:09) 3. The Dancer (5:26) 4. Desert Song (6:56) 5. Hot Fun (2:55) 6. Life Is Just A Game (9:02)
Músicos Stanley Clarke: Bajo Acústico y Eléctrico, Bajo Piccolo, Guitarra, Piano, Voz, Teclados, Gong, Percusión Raymond Gomez: Guitarra John McLaughlin: Guitarra David Sancious: Teclados, Mini-Moog, Órgano Gerry Brown: Batería & Percusión Steve Gadd: Batería Milton Holland: Percusión George Duke: Teclados Icarus Johnson: Guitarra Billy Cobham: Batería, Moog 1500
Según la Wikipedia, Clarke nació en Philadelphia, Pennsylvania en 1951. Tocó el acordeón, el cello y el violín en su infancia. Trabajó en bandas de rythm and blues y de rock durante la adolescencia, pero tras marchar a Nueva York, tocó con el saxofonista de la vanguardia Pharoah Sanders a comienzos de los setenta. Otros acompañantes fueron Gil Evans, Mel Lewis, Horace Silver, Stan Getz, Dexter Gordon y Art Blakey; todos quedaron impresionados por su talento. Sin embargo, Clarke comenzó su carrera de éxito al unirse a Chick Corea en su grupo Return to Forever. Cuando esta banda se definió como un cuarteto de fusión orientado hacia el Jazz Rock, Clarke trabajó sobre todo el bajo eléctrico y se convirtió en una fuerza influyente, precediendo a Jaco Pastorius en ese movimiento musical de los años 1970. Pero comenzando con su álbum School Days (1976) y continuando con su grupo de funk con George Duke (The Clarke/Duke Project), hasta sus proyectos como compositor de bandas sonoras, Stanley Clarke se ha movido continuamente más allá del mundo del jazz, dentro del ámbito de la música comercial, teniendo como ejemplo su participación en Animal Logic, al lado del ex baterista de The Police, Stewart Copeland. Su álbum de 1988 If This Bass Could Only Talk y su colaboración acústica de 1995 con Jean Luc Ponty y Al Di Meola The Rite of Strings, son dos de sus pocas grabaciones de jazz desde los setenta.
Traer este tipo de bandas a unos amigos que en general están esperando Hard Rock o algo más pesado es difícil, pero aquí hay varios puntos en que apoyarse que justifican este álbum, el nombre de Billy Cobham no pasa desapercibido para nadie que medianamente entienda de música, como baterista y fundador de Mahavishnu Orquestra e independiente del genero, el álbum es una tremenda pieza de excelente música y talento. Los músicos que lo acompañan como Jan Hammer, también conocido por tocar en Mahavishnu y más todavía por haber sido el compositor del tema de la serie Miami Vice y Tommi Bollin el que fuera el primer guitarrista en reemplazar a Richie Blackmore en Deep Purle. Uno de los álbumes esenciales del genero Jazz Fusión y de la música en general. Uno que también forma parte de mi discografía favorita.
Billy Cobham (1973) Spectrum
1. Quadrant 4 2. a) Searching For The Right Door b) Spectrum 3. a) Anxiety b) Taurian Matador 4. Stratus 5. a) To The Women In My Life b) Le Lis 6. a) Snoopy's Search b) Red Baron
Músicos Billy Cobham: drums, percussion Tommy Bolin: guitar Jan Hammer: piano, synthesizer Lee Sklar: bass Ron Carter: acoustic bass Jimmy Owens: flugelhorn Joe Farrell: flute, saxophones Ray Barretto: congas John Tropea: guitar (on “Le Lis”)
Cuando el baterista Billy Cobham lanzó el extraordinario álbum Spectrum en 1973 tuvo el efecto inmediato y profundo de remecer el floreciente movimiento de jazz-rock fusión. El Jazz había comenzado a alejarse de su base tradicional, con grabaciones como "Bitches Brew" de Miles Davis, álbum de 1969 con John McLaughlin en guitarra. McLaughlin entonces comenzó con Cobham en batería y Jan Hammer en teclados la Mahavishnu Orchestra. Al mismo tiempo, la música rock estaba madurando y se ponía cada vez más sofisticada. Spectrum fue el álbum que presentó el jazz y el funk en una forma que los jóvenes compradores de discos de rock de inmediato podrían relacionarse. La puerta se abrió para la fusión de otros artistas como Return to forever de Chick Corea, así como "Eleventh House" de Alphonse Mouzon y Larry Coryell. Por el lado del rock, después de escuchar Spectrum, la superestrella de la guitarra Jeff Beck casi de inmediato comenzó a incursionar en la música fusión, periodo que duró varios años.
Las sesiones para Spectrum comenzaron con un día de ensayos, después todos los temas fueron grabados en Electric Lady Studios en Nueva York el 14 de mayo y 15 de 1973, excepto "Le Lis" (con John Tropea en la guitarra) y "Spectrum", que se registraron el 16 de mayo. Lo que se oye en el álbum es casi en su totalidad en vivo sin re grabaciones ni arreglos. Tommy toca la guitarra en todos los temas excepto "Le Lis", que tiene a John Tropea en la guitarra. Los músicos involucrados tuvieron que leer partituras a excepción de Tommy. Aunque lee música, Tommy había tocado en un montón de bandas de jazz clásico y jazz progresivo durante sus días de aprendizaje y sobre todo en Zephyr, por lo que entiende la estructura de la música. Su oído fenomenal le permite rápidamente entender el material, y puesto que la condición era improvisar solos de rock, no había ningún problema. Un guitarrista de jazz más tradicional habría jugado con líneas complejas, intenciones matemáticas y arreglos disonantes vertiginoso, Tommy estableció el fuego con precisión y autoridad. El estilo se llama jazz-rock fusión, y Tommy fue sin duda el padrino de la parte del Rock. Spectrum fue lanzado en octubre de 1973, y de inmediato golpeo la industria de la música como una tormenta, con unas ventas impresionantes y su impacto e influencia a los músicos de jazz y rock. Mientras que mucha de la música de ese período ha estado juntando polvo, Spectrum está más allá de su tiempo y sigue siendo tan impresionante escucharlo como lo fue el día de su lanzamiento. La línea de bajo de "Stratus", por ejemplo, fue muestreado por Massive Attack para "Safe" de su exitoso álbum de 1991 Blue Lines. John Herdt
